Pierre Bouchard explore sur canevas standards des thèmes classiques comme la nature, les oiseaux, les poissons, les fruits ou le hockey. Conservateur dans les sujets mais moderne dans le traitement, il peint des images épurées, aux couleurs dégoulinantes, augmentées de mots tracés à l’aérosol et au pochoir. Le résultat relève du documentaire, de l’affiche publicitaire. Un contenu léger que d’autres qualifieraient de décoratif.
De l’autre côté du miroir, il y a Newjoecool, une autre identité grâce à laquelle le peintre s’exprime. Issu de la découverte du graffiti en 2008 et poussé par l’envie de s’exprimer avec ce langage, Newjoecool joue à sa façon avec les codes de ce courant artistique.
Qu’est-ce qui me pousse à créer? Autrefois, j’aurais dit que c’était les images dans les magazines de mode et les affiches publicitaires qui m’inspiraient pour créer, mais aujourd’hui, je dirais plutôt que ce sont les images qui m’entourent au quotidien qui animent mon esprit créatif. Que ce soit l’effet de la lumière sur un sac de plastique qui vole au vent ou encore la trace laissée par ma tasse de café sur la table; n’importe quel petit moment du quotidien peut m’amener à créer.
Bien qu’avec les années, j’ai touché à plusieurs disciplines, certains thèmes reviennent régulièrement dans ma pratique, soit : l’art contemporain, la quête d’identité, le langage, l’autoportrait, l’obsession, le principe d’addition et de soustraction, la trace laissée par les choses et la limite entre le figuratif et l’abstraction.
L’art, pour moi, est une façon d’exprimer mon intériorité, mes angoisses et mes réflexions qui sont probablement partagées par un grand nombre de personnes. Bien que je m’intéresse de plus en plus à développer une dimension conceptuelle à mon travail, le résultat esthétique demeure très important pour moi. Mon souhait ultime serait que mon art soit accessible à tous et parvienne à toucher le spectateur sans même qu’il ait besoin de s’informer sur ma démarche au préalable. Je considère qu’une bonne œuvre communique par elle-même.
Mes études
2007-2012 : Études secondaires au Pensionnat du Saint-Nom-de-Marie
2013-2016 : Études collégiales au College Dawson en Arts Visuels
2017- : Baccalauréat à l’Université du Québec à Montréal en Arts Visuels et Médiatiques
Biography: Born March 5th, 1945 in Angers, France. He has lived in Quebec since 1967.
Education:
Graduated from Montreal School of Fine Arts in 1974 with major in engraving. The same year, he took charge of the Pavillon of Engraving at «Terre des Hommes», on the site of the former 1967 World Expo. At the same time, he hosted the first retrospective show of the prints of Albert Dumouchel, considered as being the father of Quebec’s engraving. Michel Lancelot has spent his entire life teaching fine arts in various schools. He is now a full-time member of Atelier Circulaire, the most important printer’s studio in Montreal.
Collections:
National Bank – A.A.P.P. Inc. – GPC Concordia – Montreal Museum of Fine Arts – F.T.Q. – Institut de Recherche Clinique de Montreal – Everest Group – Loto-Quebec – Pouliot Mercure
JOURNAL METRO
L’Express d’Outremont
4 décembre 2012
Une inscription, un graphe dans les formes de la temporalité : telle pourrait être une caractérisation de l’œuvre de Michel Lancelot. Cela tient d’abord à la maîtrise éclairée de différentes techniques : aquatinte, lithographie, eau-forte, pratiques qui s’entrecroisent, qui s’éclairent et fournissent d’inépuisables possibles.
L’artiste fût aussi enseignant, et cette profession qui exprime entre autres la volonté d’être un passeur, de transmettre un savoir qui est surtout un héritage, confère aussi une texture particulière à la recherche artistique.
Le versant intuitif, la spontanéité du geste doit se décomposer pour être saisie; à la limite, il faut revenir à l’aube des apprentissages pour les re-connaître. Une temporalité qui est aussi conservation et valorisation, car Michel Lancelot investit dans ses récents travaux des cartes géographiques tirées de vieux almanachs, des gravures d’Hokusai extirpées de beaux livres sur l’art, des trouvailles en grand format aux couleurs surannées.
Ces supports sur lesquels s’effectue le travail sont choisis non seulement pour les qualités inhérentes à la matière, mais aussi et surtout pour la beauté des gravures, du dessin, des coloris et des moments de l’histoire qu’ils représentent. L’intervention n’est jamais passéiste; il s’agit plutôt d’un hommage, une façon de créer un dialogue entre l’artiste et cette matière venue du passé.
Michel Lancelot pose sur cela des formes végétales, animales et humanoïdes qui forment des compositions où l’équilibre et la cohérence sont constants. Il y a parfois émergence d’un petit théâtre. Parfois aussi quelques traits dessinent-ils un visage, ébauchent un sourire narquois, tracent un œil malicieux, toutefois la figuration ne porte pas un message.
Sous l’encre noire comme sous les carmins, citrons ou azur, il est possible de distinguer les fonds ouvragés; les formes créées par l’artiste ouvrent là-dessus des fenêtres à ces anciennes harmonies. Ce sont les signes d’une appréciation très sentie envers des qualités de savoir-faire du passé. Par ailleurs, une vie bien réelle et une ironie bienveillante imprègnent ce travail, et cela laisse l’impression d’une sorte d’allégresse, d’une célébration esthétique épurée de tout contenu doctrinal.
Voici une mince inscription dans le corps même de la démarche de l’artiste : une recherche heureusement sans fin poussée toujours plus avant par une passion pour les techniques de gravure, de dessin, de peinture. Un dialogue médiatisé par des créatures et des créations que l’on reconnaît immédiatement; elles composent le délicat paraphe de Michel Lancelot dans l’histoire de l’art.
Through an intuitive process of accumulating and scattering lines, digressions in narratives, and often-abandoning subjects, drawing is a dynamic and fundamental part of myself. A part that is both embedded in history and continually changing. I work in the same way that an author revises text, constructs sentences, edits words, deconstructs sentences, and rubs out ideas. The objective of correction fascinates me.
Education
2007 2009 University of Louisville, Bachelor of Fine Arts 2009 Louisville, Kentucky
1993 1995 Ringling College of Art and Design Sarasota, Florida Grants/Awards
2015 Al Smith Individual Artist Fellowship Award, Kentucky Arts Council Young Harris College Visiting Artist Honorarium
2014 Mazin Juried Exhibition Best in Show Award Kentucky Derby Museum ArtistinResidence Honorarium
2013 L.E.O. Reader’s Choice Award “Best Visual Artist”
2011 L.E.O. Readers’ Choice Award “Best Visual Artist”
201 0L.E.O. Readers’ Choice Award “Best Visual Artist” 2009Bill Fischer Working Artist Grant, University of Louisville Allen R. Hite Scholarship, Dean’s List
2008 American Artist: Drawing Magazine Honorable Mention, Krempp Gallery 15th Annual Juried Competition Award of High Honor, Unusual Animals Exhibition Awarded Best in Show, Dean’s List Selected Exhibitions
2015 Plan for an Undoing: New Drawings by Douglas Miller The Green Building Gallery. Louisville, Kentucky. Vignettes M.A. Doran Gallery. Tulsa, Oklahoma. Wild Things Lexington Living Arts & Science Center Museum. Lexington, Kentucky New Times Three: New Artists, New Works, New Year Blue Spiral 1 Gallery. Asheville, North Carolina.
2014 Mazin Juried Exhibtion Patio Gallery. Louisville, Kentucky KINGDOM: Animals in Contemporary Art Manifest Gallery. Cincinnati, Ohio Revolver Antler Gallery. Portland, Oregon Impressions: Art of the Race Kentucky Derby Museum. Louisville, Kentucky
2013 Troublesome Houses: An Art Tribute to Will Oldham PUBLIC Gallery. Louisville, Kentucky By the Numbers PUBLIC Gallery. Louisville, Kentucky Title still to be Determined (Lecture) University of Louisville, Hite Art Institute. Louisville, Kentucky Title to be Determined at a Later Date (Lecture and exhibit) Melvin Peterson Gallery, University of Evansville. Evansville, Indiana
2012 ReAnimation: Turning Toys into Art Kentucky Museum of Art and Craft. Louisville, Kentucky Bewilderinger The Green Building Gallery. Louisville, Kentucky Wild at Heart: Keep Wildlife in the Wild Thinkspace Art Gallery. Los Angeles, CA Douglas Miller: Old and New Drawings Patio Gallery. Louisville, Kentucky
2011 Dig for Fire C.A.V.E. Gallery. Venice, California L Likes Animals Quills Gallery. Louisville, Kentucky
2010 Louisville Visual Art Association
2010 Art Auction LVAA Water Tower Gallery. Louisville, Kentucky Douglas Miller: Drawings from The Nos Quills Gallery. Louisville, Kentucky
2009 BFA Thesis Exhibition Hite Galleries, University of Louisville International Drawing Annual: Selections from the 2008 INDA Exhibition Manifest Gallery. Cincinnati, Ohio
2008 Animal Nature/Human Nature The 930 Art Center. Louisville, Kentucky 21c Museum Dia de los Muertos 21c Museum Hotel. Louisville, Kentucky Unusual Animals The 930 Art Center. Louisville, Kentucky International Drawing Annual:
Collections
Evansville Museum of Arts and Sciences, CellarDoor Chocolates, Oohology Media + Design Lab, Corporate Office, University of Louisville, Speed School of Engineering, Forest Giant Corporate Office, the Larry Shapin and Ladonna Nicolas Collection, the John and Cynthia Norton Collection. Private Collections in Kentucky, California, Virginia, Florida, Washington, Alaska, New York, Texas and Illinois.
James Kerr is a digital artist based in Montreal. He is best known for his animated GIF project Scorpion Dagger. In this project James mixes his own illustrations with cut outs from various paintings from art history. In the process he creates a new world to comment and satirize our modern age and pop culture in general.
This project has began to spill out from the internet into the real world. James’ animated GIF’s have been shown in art galleries in the US, Canada, Switzerland, Poland, Belgium, and England.
He regularly does commissioned art. Various clients have included The New York Times, Gucci, Adult Swim, and Perrier.
Most recently his art caught the eye of renowned film director Jim Jarmusch. James was commissioned to create animated sequences for Mr. Jarmusch’s new documentary “Gimme Danger” about the band Iggy and Stooges.
Celebrating over 10 years of blue-collar, creative clarity.
Melodic Virtue is a small, hard-working independent publisher with a strong history of award-winning work in the music industry. Originally started in 2004 as a graphic design studio by Aaron Tanner, we’re known for telling our clients’ authentic and unusual stories visually, and now do so through limited-run coffee table books to engage fans of music.
Tanner has been creating memorable design work for well-known acts for over 15 years. A musician and life-long fan of music and the arts, Tanner’s design work has won numerous national awards and has been recognized by several prestigious international design publications. He also volunteers at universities to help mentor future designers.
FEATURES: 1000 Dog Portraits: From the People Who Love Them (Rockport), 1000 Supreme CD Designs (Page One), Art Dogs: 100 Postcards (Rockport), BeerAdvocate Magazine, Best Practices for Graphic Designers, Packaging (Grip), Cool Beer Labels (Print), éTapes Magazine, Design: Logo – An Exploration of Marvelous Marks… (Rockport), Dirty Fingernails (Rockport), Disc Makers Magazine, Interactive Design 2 (Graphis), Introducing: Designs For Making A First Impression (Gestalten), Los Logos 4 (Gestalten), Oh Beautiful Beer: The Evolution of Craft Beer and Design (Countryman Press), Paste Magazine, Promotion Design 2 (Graphis), Tres Logos (Gestalten)
AWARDS: AAF National ADDY Awards Silver 2016, AAF National ADDY Awards Gold 2013, AAF District 6 ADDY Awards Gold 2015, AAF District 6 ADDY Awards Gold 2013, AAF District 6 ADDY Awards Gold 2001, AAF Evansville ADDY Awards Best In Show 2013, AAF Evansville ADDY Awards Best In Show 2001, AAF Evansville ADDY Awards Gold 2015, AIGA Louisville Gold 2008, Evansville Design Group Awards Best In Show 2012, Evansville Design Group Awards Silver 2015, Evansville Design Group Awards Silver 2013
“Art teaches, informs. It uncovers the soul. No doubt it also has the power to sort the chaos of the unconscious into an orderly cosmos. It leads from disorder, suffering and unbalance to stability, harmony and joy.”
(Ozias Leduc, in a letter to Paul-Émile Borduas, 1943)
The Quebec painter Ozias Leduc is known both for his religious and secular works. In his church paintings, he transforms traditional iconography through a Symbolist interpretation. His genre portraits, still lifes, and landscapes are characterized by a warm, intimate quality, sensual lighting, and controlled brushwork. Leduc taught Paul-Émile Borduas and influenced Jean-Paul Riopelle.
Leduc began working in 1883 as a statue painter at the T. Carli studio in Montreal. He apprenticed in church mural painting with the Italian artist and set designer Luigi Capello in Montreal and with the painter and sculptor Adolphe Rho in Yamamiche, Quebec. Beginning in 1891, Leduc participated in numerous exhibitions at the Art Association of Montreal, in Ottawa, and in Toronto. After a seven-month stay in Paris in 1897, he developed a growing preoccupation with landscape and with allegorical compositions.
Among Ozias Leduc’s 150 church murals are those in his own parish church of Saint-Hilaire (1896-1900), the Chapel of the Bishop’s Palace, Sherbrooke (1922), and Notre-Dame-de-la-Présentation, Shawinigan-Sud (1942). He also decorated church interiors in Nova Scotia and the eastern United States. His secular works include Boy with Bread (1892-99) and Green Apples (1914-15).
Collection of the Library and Archives, National Gallery of Canada.
D’aussi loin que je me souvienne, j’ai toujours aimé dessiner. Créer, construire, élaborer et fabriquer sont des verbes qui ont toujours faits partie de mes activités quotidiennes peu importe mon âge.
Attiré par les arts à l’adolescence, les cours d’arts et de musique étaient toujours à mon horaire. Je prenais plaisir à réaliser les projets présenter par mes enseignants, à me les approprier en passant plusieurs heures en classe et à les peaufiner à la maison.
Début vingtaine, inspiré par ma mère qui peignait, j’ai commencé moi aussi à peindre. Je découvrais par mes lectures de grands peintres de tous les courants confondus. J’aimais cette liberté de création et de possibilités que m’apportait la peinture. C’est vers le début de l’an 2000 que j’ai commencé à participer à des expositions, des concours, bref à montrer aux autres mes créations.
Les commentaires reçus m’ont poussés à suivre une formation en arts donnée par l’Université du Québec à Chicoutimi. J’appréciais le fait de “baigner” dans une ambiance artistique à temps plein et de côtoyer des gens stimulants, créatifs, passionnants et exigeants. Les défis lancés par mes enseignants m’ont permis de pousser mon art et de me dépasser.
Ses influences
La lecture et la visite de musées font partie des activités dont il aime s’imprégner. Les peintres Gerhard Richter, Jackson Pollock, Pablo Picasso, Eugène Delacroix, Alfred Sisley, ainsi que Vincent Van Gogh sont pour lui une source d’admiration et d’inspiration sans fin.
Les goûts et les passions de Mathieu sont très variées et peuvent parfois l’inspirer: sa famille, la nature, l’espace, les découvertes scientifiques, les animaux et les gens.
Le style de Mathieu Rousseau en peinture se caractérise par l’agencement des couleurs et leur superposition et les textures spécifiques qu’il crée. Il façonne son style de peinture propre à lui. Il aime peindre des œuvres ayant des thèmes variés allant des animaux, de l’espace et de l’abstraction .
Il retrouve dans son art un moyen de s’exprimer, de s’évader du quotidien et surtout d’explorer des univers variés.
